Nanook of the North

Nanook of the North 1922

Robert J. Flaherty

En realidad no sé que tanta relación exista entre una película hecha en Mongolia en el 2005 con un documental de 1992 sobre los esquimales. Sin embargo no me cabe duda, que La película de Byambasuren Davaa, The Cave of the Yellow Dog, es una herencia de lo que hizo Robert J. Flaherty con su documental, Nanook of he north.

Un personaje principal en un lugar determinado. Nos enseña como es su vida cotidiana, como es el lugar en donde vive y como se relaciona con este. A muy grandes rasgos esto es lo que ambas películas nos enseñan. Las dos están estructuradas de una forma parecida, tienen una narrativa previamente pensada, las dos tienen suspenso y acción todo el tiempo, las dos se cuentan de una forma sumamente realista y natural y los personajes de ambas nos cautivan y nos interesan. Si embargo ¿Por qué es que dos películas con tanta diferencia de tiempo y de distancia son tan parecidas?

Llamémoslo padre del documental o no, la verdad es que Flaherty rompió una barrera entre la ficción y la realidad, creando un nuevo cine. Un cine antropológico, de análisis y de vida.

Para mi gusto, Nanook inventó una nueva forma de hacer cine. Una fórmula diferente pero al mismo tiempo efectiva, la cual no caduca y es por eso que hoy en día se sigue utilizando. Tanto Flaherty como Vertov abrieron una nueva ventana en la cual se cuestiona y se solidifica la relación entre la ficción y la realidad. Unen al cine con la vida.

Viendo secuencias como la de la canoa o la de la pesca de la foca, nos damos cuenta que el cine es tan sólo es una representación; Pero una representación casi idéntica de la realidad. La copia exacta de la vida de estos esquimales, que tienen que sobre vivir el día a día, en un clima duro y en ambiente poco amigable.

Nanook rompe el hielo y construye un Iglú. Flaherty rompe el hielo y construye el cine documental.

Autoretrato.

Marta Hernaiz Pidal , nació el 12 de febrero de 1988 en la ciudad de México. Tiene un perro y le gusta el cine, es distraída, alegre, orgullosa, amable ... bla bla bla bla ...

¿Por qué soy como soy? ¿Por qué el lugar y el tiempo en el que nací afectan en mi personalidad? ¿soy así porque quiero o porque la gente quiere que así sea? ¿ Puedo cambiar o siempre voy a ser la misma?

Creo que el entorno en el que se desarrolla y vive una persona es sumamente importante. Sin embargo, pienso que al mismo tiempo, este tiene una carga demasiado fuerte en nosotros y hace que nos perdamos o no seamos en verdad nosotros mismos. A veces nuestro entorno nos exige demasiado. Nos pone demasiadas etiquetas, las cuales no podemos despegar porque incluso nosotros somos los que les ponemos el pegamento. A veces nos perdemos en nuestra propia imagen.

Nos encontramos atrapados dentro de nosotros mismos, o más bien dentro de la imagen que nos hemos creado, o que han creado de nosotros. Estamos atrapados en nuestro propio espejo.

En este trabajo quiero cuestionarme todo esto. Quiero cuestionar mi auto- imagen a través de la imagen. quiero salir del espejo, si es que esto es posible.

Por medio de la contradicción y de la oposición quiero desmenuzar mi imagen y encontrar respuesta a todas estás preguntas. ¿ Podemos saber en realidad quienes somos o siempre necesitaremos una representación?

DIAL H-I-S-T-O-R-Y

Dail history 1997

Johan Grimonprez

Primero hubo ataques y amenazas vía telefónica, luego se estrelló un avión sin dejar muertos. Después alguien murió en un choque aéreo. Luego fue Dail History y después llegaron los aviones a las torres gemelas.

Quien diría que una profecía fuera tan irónica. La música, usada en este trabajo, nos muestra la ironía y las imágenes la profecía, el impacto. Pero ¿ podremos decir que esto es una profecía? que tal si Johan Grimonprez, tan sólo nos muestra lo que era inevitable. O peor aún ¿ Qué tal sí el documental Dial History propicio el ataque del once de septiembre?

Vivimos bajo la ley de la amenaza, la ley del impacto. Nos gusta ver la nota roja. Los noticieros tienen mayor audiencia cuando muestran imágenes crudas, textuales. Ya no nos dejan espacio a la imaginación, ya no hay poesía. Me atrevo a poner como ejemplo de esto a Johan Grimonprez, pues él no tuvo que crear ninguna imagen que nos presenta en el documental, todo ya estaba hecho, todo estaba listo para impactarnos. Sin embargo creo que precisamente , al hacer esto, este director le da la vuelta, nos da otra perspectiva, Hace un collage de estás imágenes "Impactantes" y les quita su sentido, las vuelve insignificantes.

DAIL history nos dice ¿que la imagen está perdiendo su valor?,¿qué ya nada nos impacta ? o ¿qué las imágenes no nos deberían de afectar?, para que hechos tan trágicos no se repitan, para que no tengan publicidad.

La verdad no lo sé. Sólo pienso que sí se hace una imagen debe de ser para que el que la ve cree con esta, no para que destruya.

Une journée d'Andrei Arsenevitch

Un día en la vida de Andrei Arsenevitch 1999

Chris Marker.

Aprender de los grandes, de los que saben, pero no imitarlos ni copiarlos, sino crear cosas nuevas a partir de ellos. Hacerles homenajes.

Podemos ver varios ejemplos de como Marker, hace pequeños homenajes a sus colegas, a sus maestros. Y no sólo esto, sino que los usa para darnos con ellos un mejor discurso. En la Jetté y en Sans Solei nos habla de vértigo de Hitchcock. En 1985 hace su primer retrato, A.K. sobre uno de los grandes: Akira Kurosawa.

Aquí les dejo un link que encontré donde analizan la obra de Tarkovski. Y me parece interesante ya que en un párrafo lo comparan con Akira Kurosawa:

http://www.contrapicado.net/periferia.php?id=3

También en Sans Solei, Marker, nos da todo un concepto sobre el mundo y la vida actual. Pero nos lo explica en formas muy peculiares, una de ellas es cuando nos habla de "la zona", la misma de Tarkovski.

Me encantó poder ver como trabajaba Tarkovski. Como se comunicaba con todo su equipo, aunque estos hablaran diferentes idiomas. También, ver como mantenía la alegría junto con el orden. Nunca imaginé que el director de una película como el Sacrificio trabajara de esta manera. Pero una vez que lo vi, resulta lógico, ya que creo que un trabajo tan genial y brillante, no se podría realizar de otra manera. Andreí Tarkovski siempre fue disciplinado pero creía y tenía pasión por lo que hacia, incluso hasta sus últimos días. Yo imaginó y deduzco ( simplemente por ver su trabajo) que el enigmático Chris Marker, es y trabaja de una manera parecida y si no al menos, tienen la misma esencia. Porque Marker aprende de sus maestros.

Dicen que uno muere cuando lo olvidan. Por lo tanto Andrei Tarkovski, no muere, simplemente todo lo que nos dejo hace que se quede aquí por mucho tiempo, para siempre. Sin embargo,si dejamos a un lado toda la obra de este director ruso, si esta algún día se perdiera por completo. Andrei Tarkovski seguiría vivo gracias a Marker. Gracias a que aprendió de él, a que lo recuerda, a que nos lo recuerda.

Sans Solei

San Solei 1983

Chris Marker

Como dice el colaborador de Godard, Jean Pierre Gorin, sobre Sans Solei " No sabes exactamente en donde empieza y en donde acaba. Y tampoco sabes porque empieza y porque acaba."

"Because I know that time is always time

And place is always and only place

And what is actual is actual only for one time

And only for one place". Chis Marker.

Japón, Guinea Bissau, Islandia, Francia y Estados Unidos, son los países que Chris Marker nos enseña en este ensayo de cine. Imágenes que fue capturando a lo largo de sus viajes y que mucho tiempo después junto. Para explicarnos con ellas, su filosofía.

"La poesía nace de la inseguridad"

La narradora de este cine- ensayo nos suelta esta frase en algún momento de la película, la cual, aunque se encuentra algo camuflajeada, me parece que resume muchas de las ideas y de la esencia de este trabajo. Ya que Marker, nos habla de la luz y de la oscuridad, de las diferentes culturas y de lo contrario. Es una película sobre lo opuesto. La inseguridad es la oscuridad, la poesía es la luz. Chris Marker las une y crea Sans Solei.

" La visión nunca puede separarse de un parpadeo, de la oscuridad"

Como bien sabemos ya no podemos ver al mundo desde un sólo punto de vista. hay que encontrar nuevas perspectivas, Sans Solei nos propone una mirada en espiral, la cual aunque nos provoca vértigo, nos hace pensar. Nos muestra un cine que a lo mejor nos marea pero nos libera.

" La locura es como la fiebre sirve para protegernos"

Parafraseando otra vez a Gorin, Chris Marker mira a la vida como un sistema de ilusión. Cualquier cineasta debería de verla de esta manera. Pues hace magia al espectador, nos enseña el truco pero no podemos descifrarlo, nos cambia. Nos revela algo que no queríamos ver o algo que no sabíamos definir, y lo más hermoso es que lo hace contraponiendo. Nos deja descubrirlo, nos hace reflexionar.

En Sans Solei vemos la muerte de una Jirafa. Yo quiero invitarlos a asistir a su funeral. A un funeral en donde se pierde la banalidad, donde muere la frivolidad. Ya que el impacto de lo visto sin duda tiene que matarla. O si no, al menos hacerla interesante, reflexionar sobre ella y darle sentido, como lo hace y lo dice Chris Marker en la escena del tren en Japón:

"He viajado al rededor del mundo, muchas veces. Y ahora solo la banalidad me sigue interesando".

Marker tiene mucho que decir y nosotros mucho que aprenderle. Nosotros somos la niña japonesa que está aprendiendo ese baile en la calle y Marker es el maestro al que esta niñita imita.

Sans Solei me parece el cine ensayo por excelencia, lo que quiera que esto quiera decir.

Science is Fiction.

Science is Fiction.

Jean Painlevé

Más allá de maravillarme de las increíbles tomas submarinas, creo que todos los cortos de Jean Painlevé nos sorprenden de una forma doble. Ya que al ver sus películas, no sólo nos encontramos ante una gran demostración del mundo marino o de la ciencia misma. Sino que, como él lo dice, convierte a la ciencia en arte.

Dicen que los grandes descubrimientos e inventos, surgen de unir dos cosas totalmente opuestas, para mí, todo el trabajo de Painlevé es una obra maestra, ya que toma a la ciencia como arte y al arte como ciencia y las une.

El Art Noveau es una corriente artística, la cual retoma y se inspira de la naturaleza para crear su obra, llenándola de colores y formas asimétricas pero rítmicas. Jean Painlevé filma en blanco y negro, a una anémona y nos dice que esta baila como Loie Fuller, una bailarina que fue pintada muchas veces por los artistas del modernismo.

Gaudí representa al art Nouveau en la arquitectura. Para mi, el representante de este estilo en el cine es el mismo Painlevé; Ya que sus tomas microscópicas llenas de color, así como las de todas las formas marinas que filma, se asemejan a los grandes vitrales que hacía Tiffany o a los que Horta ponía en sus edificios.

El hombre de la cámara

The man with the movie camara 1929

Dziga Vertov

El experimento de Vertov nos revela que a tan pocos años del nacimiento del cine ya se había inventado todo. Al ver la escena donde los obreros trabajan en las fabricas, el ritmo que se crea al poner estás acciones repetitivas en cámara rápida, hicieron que llegara a pensar que estaba viendo un video clip actual. Sin embargo, esto no se queda ahí, sino que todas estás imágenes al contraponerlas crean símbolos donde, como ya hemos dicho, se compara a la clase obrera con la burguesa. Son justamente estos factores los que más me llaman la atención ya que esta película une la técnica y el discurso mediante el montaje.

La cámara siempre está presente, incluso cuando no la vemos ya que en estos momentos la gente la hace notar, por ejemplo cuando una pareja se está divorciando o la mujer del coche saluda a la cámara. Kauffman, el hombre de la cámara siempre es el primero en despertar , pero no sólo eso sino que él es el que nos despierta a todos. Vertov inventa el meta cine para abrirnos los ojos, para darnos cuenta no sólo del cine sino de cómo nos comportamos, de cómo funciona el sistema y sobre todo, nos dice lo que deberíamos cambiar. Por así decirlo nos señala que tenemos que cambiar el montaje de la vida, del sistema que lo regía en ese momento y del que nos rige hoy en día.

Creo que Vertov al mismo tiempo de que nos deslumbra con todos sus avances técnicos hace que veamos que el cine no requiere más que de una cámara, de una buena elección de montaje y sobre todo de un buen discurso. El ojo de la cámara es la técnica sin embargo el ojo del hombre es el discurso. Uniéndolos hacemos cine.

"Sólo es duradero lo que está atrapado en ritmos.Plegar el fondo y la forma y el sentido de los ritmos." Robert Bresson

las estaciones

Vremena goda 1975

Artavodz Pelechian.

La imágenes que vemos en este documental tienen un gran valor estético. Ya que nos muestra como la forma de ser y la vida cotidiana de un pueblo ( en este caso el Armenio) puede ser igual de bella que una pieza musical tan compleja y famosa como lo es la de Vivaldí.

Las imágenes hablan por si solas, nadie nos tiene que contar nada, nadie tiene que explicarnos nada o incluso ni siquiera mostrarnos. Vemos la vida como sucede, como es.

Pelechian conoce su cultura, la observa y la engrandece con imágenes sencillas pero impresionantes. Ya que ver a un hombre en el río con un borrego o persiguiendo una pila enorme de paja, no es sencillo. Sin embargo la forma en como el director nos muestra estos sucesos si lo es. Para mi gusto, logra que las imágenes mencionadas se vean igual de interesantes que una boda o un hombre en un burro. Pelechian une imágenes que posiblemente pasan siempre, a lo largo del año, durante las estaciones.

Konec

Konec

Artavodz Pelechian

Me parece impresionante la utilización del sonido en este pequeño documental. Las vías del tren te mete automáticamente en la película , dándole ritmo y llenándola de misterio.

Creo que este documental nos enseña como todo puede convertirse en poesía, con tan solo jugar con la luz y la oscuridad. Para mi lo que hizo Artavodz Pelechian en este trabajo es un haiku. Ya que une la vida cotidiana con el movimiento y el paso del tiempo, mediante túneles y trenes . De hecho, me recordó a un libro de Eduardo Moga, poeta español, titulado “ Los Haikús del tren” A continuación pongo uno de ellos:

Cierro la puerta

Brilla la noche. El viaje

Ha terminado.

No body ´s Buisness

No body´s Buisness

Alan Berliner

La buenas ideas están en tu casa, el arte lo haces en tu casa, no hace falta ir más lejos. Esto es lo que yo aprendí después de ver este documental. Alan Berliner no tuvo que buscar actores, no tuvo que gastarse millones de dólares, ni si quiera tuvo que hacer un guión para darnos a un personaje lleno de carisma que nos conmueve y nos llama la atención. Simplemente nos presentó a su padre.

Eso sí, tuvo que pelearse mucho con él, ya que, como todos los padres, piensa de una forma muy diferente a la de su hijo . Berliner supo aprovechar esto de una forma increíble, haciendo una especie de comedia llena de nostalgia.

Creo que más que nada este documental nos enseña como debe de ser un documentalista, ya que aprovecha cada situación y la hace a su favor. A parte de que une y encuentra una infinidad de materiales que le dan estética y ritmo al documental.

No body´s buisness, nos demuestra que hay historias en todos lados, que lo ordinario sí puede convertirse en extraordinario. Sólo hay que saber como y de que forma hacerlo. Este documental nos lleva de lo muy privado y particular a lo universal. Ya que todos, en algún momento del la película, nos sentimos identificados, con el hijo o con el padre o simplemente con la relación entre estos dos.